Pour présenter sa collection SS22, Demon s'est associé au sculpteur et architecte Marc Leschelier pour une installation au Spazio Maiocchi. L'événement comprend une conversation entre Marc Leschelier et le directeur de la création de Demon, Alberto Deon, sur l'origine et les ambitions de leur collaboration.
En utilisant son vocabulaire artistique particulier, Leschelier a réinterprété le récit et la recherche éclectique de la marque, centrée sur les valeurs fondamentales de la mémoire, de l'expérimentation, de l'héritage et de la territorialisation.
La conférence a été animée par l'architecte et éducateur Giles Nartey, qui a préparé une sélection de questions visant à discerner les nuances qui se cachent derrière la collaboration.
GN
Comment votre relation a-t-elle débuté ?
ML
Nous nous sommes rencontrés à Paris et nous avons entamé une conversation sur l'architecture et le design de chaussures, en particulier sur l'évolution conjointe de ces deux secteurs. J'ai trouvé similaire le fait que Demon utilise des semelles préfabriquées de Vibram et que nous ayons également en architecture des éléments préfabriqués que nous combinons pour produire un nouveau design. Mon vocabulaire architectural est également constitué d'éléments préfabriqués, et j'étais curieux de voir comment l'industrie de la chaussure était capable de produire une telle variété et comment elle parvenait à créer de petites collections capsules à partir de personnalisations d'éléments préfabriqués. Je pense que l'industrie de l'architecture a beaucoup à apprendre de l'industrie de la chaussure.
ML
Nous avons les mêmes contraintes en ce qui concerne le coût des moules. Par exemple, la production d'un moule pour des blocs de béton est aussi coûteuse que celle d'un moule pour une nouvelle semelle. Mais il semble que l'industrie de la chaussure ait été plus innovante en important des connaissances d'autres disciplines, ce qui lui a permis d'élargir son vocabulaire.
GL
Qu'avez-vous apporté à cette collaboration dans votre méthode de travail habituelle et en quoi a-t-elle été différente de vos travaux précédents ?
AD
Pour commencer, ce travail est le plus important de la production de Marc jusqu'à présent. En outre, il a essayé de combiner les deux langages expressifs qui caractérisent son art : la rigidité de la maçonnerie, d'une part, et la fluidité du textile en béton, d'autre part. D'une certaine manière, je pense que j'ai encouragé et facilité cette nouvelle expansion de son modus operandi. Je l'espère en tout cas ! Personnellement, j'étais très attiré par l'idée d'un corral.
ML
Alberto m'a donné carte blanche, mais en même temps nos discussions m'ont poussé à rapprocher le vocabulaire des blocs et celui du textile. Cela n'a pas été très différent en termes de processus pour moi, mais cela change tout lorsque vous avez un grand commissaire qui a les mêmes attentes que vous. Nous voulions réaliser une installation architecturale qui parle d'elle-même. Comme une chaussure, qui n'a généralement pas besoin de mots pour être comprise. C'est d'ailleurs ce que je reprochais à l'architecture, à savoir la distance entre les concepts et la manière dont les choses sont exécutées.
GN
Quelle est l'importance de la matérialité dans votre travail ?
ML
La matérialité est très importante dans mon travail, mais en même temps, elle n'en est pas le point central. Beaucoup de gens pensent que mon travail porte sur les parpaings et le béton, et sur le caractère aberrant de ce matériau, ce qui est également vrai, mais en fait, le sujet principal de mon travail est la pratique de l'architecture. Mon travail est très lié à la situation de l'architecture aujourd'hui. C'est une sorte de réponse à ce domaine qui n'est plus considéré comme un acte créatif. Au contraire, il s'agit d'une discipline soumise à tout un système de lois qui rend impossible toute liberté. Le message de mon travail porte sur la liberté, un sujet qui devrait être rediscuté dans le domaine de l'architecture. Ce qui signifie que la matérialité est le véhicule du message, et non le sujet.
GN
Quelles sont vos principales références ?
ML
Les œuvres d'architecture qui ont été très importantes pour moi sont des moments où l'architecture peut devenir quelque chose d'autre. Quand l'architecture devient une sculpture par exemple. Ces moments de transformation sont rares à observer. Par exemple, lorsque Michel-Ange construit un escalier pour la bibliothèque Laurenziana à Florence, il le construit en tant que sculpteur, le vocabulaire de l'architecture se bloque en quelque sorte en absorbant des propriétés et des qualités sculpturales.
Les fenêtres sont bloquées, les éléments décoratifs se contredisent et les escaliers ne sont pas fixés au mur mais se détachent comme une sculpture en pied. En même temps, mes principales références appartiennent également au domaine de l'art. Des moments de libération, comme l'activisme viennois, avec tous les risques qu'il a entraînés.
J.-C.
Mes références tendent à s'étendre à des mouvements et à des lignes de pensée plutôt qu'à d'autres designers. Je pense que je suis inspiré par l'idée de maniérisme. Le maniérisme est une attitude plus qu'un mouvement, c'est un comportement artistique particulier qui s'élève dans le corps de l'œuvre des mouvements artistiques à leur maturité et qui recherche l'imperfection pour la développer. En ce sens, il s'oppose au statu quo d'un certain langage artistique et propose des directions alternatives. C'est ce que j'essaie de faire avec Demon.
GN
Quelle est la relation entre le numérique et le physique dans votre pratique ?
ML
J'utilise parfois le numérique pour détailler et exprimer mon travail, mais j'utilise principalement des modèles physiques et des maquettes pour développer mon travail. Le numérique peut être aussi simple qu'un moyen de compter facilement les blocs que je dois utiliser dans une installation. J'aimerais utiliser le numérique dans mon travail pour voir comment il peut proposer de nouvelles pratiques et possibilités d'échapper au contexte normatif de l'architecture. Mais pour l'instant, je me concentre sur le développement d'un vocabulaire physique. Il s'agit de m'engager dans une réflexion où je dois construire un autre sens à partir d'un vocabulaire architectural préfabriqué.
J.-C.
En sortant de l'enseignement de l'architecture, j'ai digéré tellement de simulations numériques que lorsque j'ai abordé ce projet, j'étais réticent à l'idée d'aborder la conception par le biais d'une sorte d'écran. Je préfère de loin explorer les matériaux bruts et travailler les idées de conception à partir de la base, en commençant par des instances physiques et des bouts de matériaux, des semelles, des minuteries. Je peux donc - disons - commencer par une phase sculpturale au cours de laquelle je condense des sentiments et des impressions dans la matière sans me soucier de la sérialisation. Après cette phase, il y a celle de la "douleur" où je dois revoir les chimères que j'ai créées et procéder à la rétro-ingénierie d'une version industrialisée. Néanmoins, je n'exclus pas d'hybrider ma méthode de travail avec des outils numériques, je pense notamment à la modélisation 3D. J'espère pouvoir imbriquer ces deux domaines et commencer à travailler dans un processus "phygital" qui me permette de maximiser les deux apports. D'autre part, j'ai utilisé dans le passé des outils numériques pour améliorer notre communication, mais je vois que les altérations et les technologies numériques deviennent de moins en moins pertinentes à mesure que la marque grandit ; je préfère laisser les produits parler d'eux-mêmes. Je préfère laisser les produits parler d'eux-mêmes, parce qu'en fin de compte, c'est de produits qu'il s'agit.
GN
Quelle est votre relation avec le concept de communauté et comment cela affecte-t-il votre pratique ?
ML
Je pense qu'une communauté est très importante, pour ne pas se sentir seul et isolé dans ses propres désirs. Mais je dois dire que je ne vois pas beaucoup d'architectes qui veulent sortir du système de l'architecture. Je ne veux pas être considéré uniquement comme un artiste ou un sculpteur, je veux aussi être considéré comme un architecte, et quelqu'un qui est engagé dans l'acte de construction et dans le développement et l'expansion du vocabulaire de l'architecture.
AD
Le design tourne rarement autour du design. Ou mieux, le design n'est qu'une facette du design en tant qu'expression culturelle. Ce qui donne un sens au design, ce sont les attributs sociaux dont il découle et les groupes sociaux qu'il représente. C'est bien plus qu'un crayon dictant des formes sur une feuille, les nuances vont bien au-delà de ce qui flotte dans une interface Rhino7, aussi équipée soit-elle de plugins dernier cri. Dans une certaine mesure, la surconception conduit à l'ennui. Aujourd'hui plus que jamais, les formes doivent devenir (dé)signes, c'est-à-dire "signer-ifier" quelque chose d'autre que la forme en elle-même.
Je découvre depuis peu le sens même de l'idée de communauté. Je pense que le fait d'avoir fait mes débuts sur ce marché grâce à Slam Jam a un impact énorme sur ma compréhension de la mode. D'une certaine manière, la charge culturelle d'une certaine communauté représente l'autre moitié du design. Le statut social, les systèmes de valeurs, le mode de vie, l'appartenance à un groupe, tout cela englobe la charge anthropologique d'une certaine pièce de design. De nos jours, avec toutes sortes de facilités industrielles, donner forme à un objet et à son degré de spécificité esthétique est sans précédent. Cela met à mal le geste du design tout court et permet de se concentrer sur ce que cette forme spécifique représente, sur les valeurs et les sentiments qu'elle diffuse. Les communautés sont les catalyseurs de ce processus.
GN
Vous êtes tous deux issus du milieu de l'architecture. En quoi le concept de manifeste est-il toujours d'actualité au XXIe siècle ?
ML
Il est vrai que les manifestes sont très importants dans l'histoire de l'architecture. L'architecture a été structurée et poussée par les traités et les manifestes, mais il semble qu'aujourd'hui ils soient moins populaires et moins écrits. C'est lié à notre époque, qui n'a plus le temps de lire et d'écrire des pensées, tout est dans l'immédiateté et la communication visuelle. C'est presque le modèle de la télépathie. Tout doit être direct et consommé sans patience. Triste ou pas ? Je ne sais pas, nous perdons probablement beaucoup, mais ce sont les règles de notre époque et tout le monde peut encore faire du bon travail dans ce contexte.
AD
Les manifestes sont enracinés dans un contexte où les idées en elles-mêmes avaient une allure beaucoup plus grande. Discuter des idées, même lorsque cela impliquait de s'attarder sur des labyrinthes intellectuels tortueux, était un processus important dans l'acte de génération de la culture. Je pense qu'aujourd'hui, cette procédure s'est effondrée au profit de l'immédiateté. Principalement parce que le libéralisme se nourrit de nouveauté et que la nouveauté exige vitesse et élan. Je m'inspire du vieil usage qui consiste à créer un "Corpus Theoreticus" avant de mettre les choses au monde, c'est pourquoi j'essaie toujours de tester mes idées dans ma bouche. Je les exprime à voix haute, en recherchant l'immédiateté syllogistique entre les pensées, car je sais que cela aboutira à une vision plus claire.
