POYANA BOOT WHITE - schwarze Laufsohle

Im Gespräch mit Marc Leschelier und Alberto Deon

Zur Vorstellung der Kollektion SS22 hat sich Demon mit dem Bildhauer und Architekten Marc Leschelier zusammengetan und eine Installation im Spazio Maiocchi realisiert. Im Rahmen der Veranstaltung fand ein Gespräch zwischen Marc Leschelier und dem Kreativdirektor von Demon, Alberto Deon, statt, in dem sie sich über den Ursprung und die Ziele ihrer Zusammenarbeit austauschten.

Mit seinem besonderen künstlerischen Vokabular interpretierte Leschelier die Geschichte und die eklektische Forschung der Marke neu, die sich um die Kernwerte Erinnerung, Experiment, Erbe und Territorialisierung dreht.

Das Gespräch wurde von dem Architekten und Pädagogen Giles Nartey moderiert, der eine Reihe von Fragen stellte, um die Nuancen hinter der Zusammenarbeit zu ergründen.

GN
Wie hat Ihre Beziehung begonnen?

ML
Wir haben uns in Paris getroffen und ein Gespräch über Architektur und Schuhdesign begonnen, insbesondere über die Entwicklung dieser beiden Branchen. Ich fand es ähnlich, dass Demon vorgefertigte Sohlen von Vibram verwendet und dass wir auch in der Architektur vorgefertigte Elemente haben, die wir miteinander kombinieren, um ein neues Design zu schaffen. Mein architektonisches Vokabular besteht ebenfalls aus vorgefertigten Elementen, und ich war neugierig zu sehen, wie die Schuhindustrie in der Lage ist, eine so große Vielfalt zu produzieren und wie sie es schafft, aus vorgefertigten Elementen kleine Kapselkollektionen zu erstellen. Ich denke, die Architekturbranche kann viel von der Schuhindustrie lernen.

Wir haben die gleichen Beschränkungen, was die Kosten für die Formen angeht. So ist die Herstellung einer Form für Betonblöcke genauso teuer wie die Kosten für eine neue Sohlenform. Aber es scheint, dass die Schuhindustrie innovativer war, indem sie Wissen aus anderen Disziplinen importiert hat, wodurch sie ihren Wortschatz erweitern konnte.

Welche Ihrer bewährten Arbeitsmethoden haben Sie in diese Zusammenarbeit eingebracht und wie unterscheidet sie sich von Ihren früheren Arbeiten?

Zunächst einmal ist diese Arbeit die bisher umfangreichste in Marcs Schaffen. Außerdem hat er in diesem Fall versucht, die beiden Ausdruckssprachen zu kombinieren, die seine Kunst kennzeichnen: die Starrheit des Maurerhandwerks auf der einen Seite und die Fließfähigkeit von Betontextilien auf der anderen. In gewisser Weise glaube ich, dass ich diese neue Erweiterung seiner Arbeitsweise gefördert und erleichtert habe. Zumindest hoffe ich das! Ich persönlich fühlte mich von der Idee eines Korrals sehr angesprochen.

Alberto gab mir einen Freibrief, aber gleichzeitig drängten mich unsere Diskussionen dazu, das Vokabular der Blöcke und des Textils zusammenzubringen. Für mich hat sich der Prozess nicht so sehr verändert, aber es verändert alles, wenn man einen großartigen Auftraggeber hat, der die gleichen Erwartungen hat wie man selbst. Wir wollten eine architektonische Installation schaffen, die für sich selbst spricht. Wie ein Schuh, der im Allgemeinen keine Worte braucht, um verstanden zu werden. Das ist auch etwas, was ich in der Architektur kritisiert habe, nämlich die Distanz zwischen den Konzepten und der Ausführung der Dinge.

Welche Bedeutung hat die Materialität in Ihrer Arbeit?

Materialität ist in meiner Arbeit sehr wichtig, aber gleichzeitig ist sie nicht der zentrale Punkt. Viele Leute denken, dass es in meiner Arbeit um Schlackenblöcke und Beton geht, und um die Abscheulichkeit dieses Materials, was auch stimmt, aber eigentlich geht es in meiner Arbeit um die Praxis der Architektur. Meine Arbeit steht in engem Zusammenhang mit der heutigen Situation der Architektur. Sie ist eine Art Antwort auf diesen Bereich, der nicht mehr als kreativer Akt angesehen wird. Im Gegenteil, es ist eine Disziplin, die einem ganzen System von Gesetzen unterworfen ist, die es unmöglich machen, frei zu sein. In meiner Arbeit geht es um Freiheit, etwas, das in der Architektur wieder diskutiert werden sollte. Das heißt, die Materialität ist der Träger der Botschaft und nicht das Thema.

Was sind Ihre wichtigsten Referenzen?

Die Werke der Architektur, die für mich sehr wichtig waren, sind Momente, in denen Architektur etwas anderes werden konnte. Wenn Architektur zum Beispiel zu einer Skulptur wird. Diese Momente der Verwandlung sind selten zu beobachten. Wenn Michelangelo zum Beispiel eine Treppe für die Laurenziana-Bibliothek in Florenz baut, baut er sie als Bildhauer, das Architekturvokabular wird irgendwie blockiert, indem es skulpturale Eigenschaften und Qualitäten annimmt.

Die Fenster sind blockiert, die dekorativen Elemente widersprechen sich selbst und die Treppe ist nicht an der Wand befestigt, sondern löst sich wie eine stehende Skulptur. Und gleichzeitig gehören meine Schlüsselreferenzen auch zum Bereich der Kunst. Momente der Befreiung, wie der Wiener Aktivismus, mit all den Risiken, die er mit sich brachte

Meine Referenzen beziehen sich eher auf Bewegungen und Gedankengänge als auf andere Designer. Ich glaube, ich lasse mich von der Idee des Manierismus inspirieren. Der Manierismus ist mehr eine Haltung als eine Bewegung, er ist ein spezielles künstlerisches Verhalten, das sich innerhalb des Werks künstlerischer Bewegungen in ihrer Reife erhebt und nach Unvollkommenheit sucht, um sie weiterzuentwickeln. In diesem Sinne kontrastiert sie den Status quo einer bestimmten künstlerischen Sprache und sucht nach alternativen Richtungen. Das ist es, was ich mit Demon zu tun versuche.

Wie ist das Verhältnis zwischen dem Digitalen und dem Physischen in deiner Praxis?

Ich benutze das Digitale manchmal, um meine Arbeit zu detaillieren und auszudrücken, aber ich benutze hauptsächlich physische Modelle und Mock-ups, um meine Arbeit zu entwickeln. Das Digitale kann so dumm sein wie eine Möglichkeit, die Blöcke zu zählen, die ich in einer Installation verwenden muss. Es würde mich interessieren, das Digitale in meiner Arbeit einzusetzen, um zu sehen, wie es neue Praktiken und Möglichkeiten vorschlagen kann, um dem normativen Kontext der Architektur zu entkommen. Aber im Moment konzentriere ich mich auf die Entwicklung eines physischen Vokabulars. Das bedeutet, dass ich mich auf ein Denken einlasse, bei dem ich aus dem vorgefertigten architektonischen Vokabular eine andere Bedeutung konstruieren muss.

Ich komme aus der Architekturausbildung und habe so viele digitale Simulationen verdaut, dass es mir bei diesem Projekt widerstrebte, mich dem Design über irgendeine Art von Bildschirm zu nähern. Ich ziehe es deutlich vor, die Rohmaterialien zu erforschen und Designideen von Grund auf zu entwickeln, ausgehend von physischen Instanzen und Materialresten, Sohlen, Minuterien. So kann ich - sagen wir - von einer skulpturalen Phase ausgehen, in der ich Gefühle und Eindrücke zu Materie verdichte, ohne mich um Serialisierung zu kümmern. Nach dieser Phase gibt es die "Schmerzphase", in der ich die von mir geschaffenen Chimären überprüfen und eine industrialisierte Version zurückentwickeln muss. Nichtsdestotrotz schließe ich nicht aus, meine Arbeitsmethode mit digitalen Werkzeugen zu hybridisieren, ich denke dabei vor allem an die 3D-Modellierung. Ich hoffe, dass ich diese beiden Bereiche miteinander verflechten und in einem "phygitalen" Prozess arbeiten kann, der es mir ermöglicht, beide Inputs zu maximieren. Andererseits habe ich in der Vergangenheit digitale Tools eingesetzt, um unsere Kommunikation zu verbessern, aber ich sehe, dass digitale Veränderungen und Technologien mit dem Wachstum der Marke immer weniger relevant werden; ich möchte lieber die Produkte für sich selbst sprechen lassen. Denn es sind schließlich Produkte, mit denen wir es zu tun haben.

Was halten Sie von dem Konzept der Gemeinschaft und wie wirkt es sich auf Ihre Praxis aus?

Ich denke, dass eine Gemeinschaft sehr wichtig ist, damit man sich mit seinen Wünschen nicht allein und isoliert fühlt. Aber ich muss sagen, dass ich nicht viele Architekten sehe, die aus dem System der Architektur aussteigen wollen. Ich möchte nicht nur als Künstlerin oder Bildhauerin betrachtet werden, sondern auch als Architektin, als jemand, der sich mit dem Bauen und der Entwicklung und Erweiterung des Architekturvokabulars beschäftigt.

Design dreht sich selten um Design. Oder besser gesagt, Design ist nur eine Seite des Designs als kulturelle Ausdrucksform. Was dem Design Bedeutung verleiht, sind die sozialen Attribute, aus denen es hervorgeht, und die sozialen Gruppen, die es repräsentiert. Es ist viel umfassender als ein Bleistift, der Formen auf ein Blatt diktiert, die Nuancen sind viel mehr als das, was in einer Rhino7-Benutzeroberfläche schwebt, ganz gleich, wie sehr sie mit hochmodernen Plugins ausgestattet ist. Bis zu einem gewissen Grad führt Überdesign zu Langeweile. Mehr denn je müssen Formen zu (De-)Zeichen werden, also etwas anderes als die Form an sich "signifizieren".

Erst kürzlich habe ich die Bedeutung des Begriffs "Gemeinschaft" für mich entdeckt. Ich glaube, dass mein Debüt auf diesem Markt durch Slam Jam einen großen Einfluss auf mein Verständnis von Mode hat. In gewisser Weise stellt die kulturelle Belastung einer bestimmten Gemeinschaft die andere Hälfte des Designs dar. Sozialer Status, Wertesysteme, Lebensstil, Gruppenzugehörigkeit - all das macht die anthropologische Belastung eines bestimmten Designstücks aus. Heutzutage, mit allen möglichen industriellen Erleichterungen, ist die Formgebung eines Objekts und sein Grad an ästhetischer Besonderheit beispiellos. Dies untergräbt die Geste des Designs als solches und lenkt den Fokus darauf, was diese spezifische Form repräsentiert, welche Werte und Gefühle sie ausstrahlt. Gemeinschaften sind Katalysatoren für diesen Prozess.

Sie kommen beide aus der Architektur, inwiefern ist das Konzept des Manifests im 21. Jahrhundert noch relevant?

Es stimmt, dass Manifeste in der Geschichte der Architektur sehr wichtig sind. Die Architektur wurde durch Abhandlungen und Manifeste strukturiert und vorangetrieben, aber es scheint, dass sie heute weniger populär und geschrieben sind. Das hängt mit unserer Epoche zusammen, die keine Zeit mehr für das Lesen und Schreiben von Gedanken hat, alles dreht sich um Unmittelbarkeit und visuelle Kommunikation. Es ist fast das Modell der Telepathie. Alles soll direkt sein und ohne Geduld konsumiert werden. Traurig oder nicht? Ich weiß nicht, wir verlieren wahrscheinlich viel, aber es sind die Regeln unserer Zeit und jeder kann in diesem Kontext noch großartige Arbeit leisten.

Manifeste haben ihre Wurzeln in einem Kontext, in dem Ideen an und für sich eine viel größere Anziehungskraft hatten. Die Diskussion von Ideen, selbst wenn dies bedeutete, dass man sich in verschlungenen intellektuellen Labyrinthen aufhielt, war ein wichtiger Prozess im Akt der Kulturerzeugung. Ich glaube, dieses Verfahren ist heute zugunsten der Unmittelbarkeit in den Hintergrund getreten. Das liegt vor allem daran, dass der Liberalismus von der Neuheit lebt, und Neuheit erfordert Schnelligkeit und Eile. Ich bin inspiriert von dem alten Brauch, einen "Corpus Theoreticus" zu schaffen, bevor ich etwas in die Welt setze, und deshalb versuche ich immer, meine Ideen in meinem Mund zu testen. Ich spreche sie laut aus und suche nach einer syllogistischen Unmittelbarkeit zwischen den Gedanken, denn ich weiß, dass dies zu einer klareren Vision führt.